Disco – Die Geschichte des Genres

Disco war mehr als nur ein Musikstil, es war eine ganz eigene Kultur. Entstanden in den frühen 1970er-Jahren in New York, verband Disco tanzbare Rhythmen mit orchestralen Arrangements, Soul- und Funk-Einflüssen und einer Ästhetik, die Nachtclubs zu Bühnen für gesellschaftliche Utopien machte.

Während die großen Hits bald weltweit die Charts dominierten, hatte Disco ihre Wurzeln in marginalisierten Communities, in denen Musik und Tanz einen Raum für Freiheit schufen.

Die Wurzeln: Funk, Soul und die Clubkultur

Musikalisch lässt sich Disco auf den Soul und Funk der späten 1960er-Jahre zurückführen. Künstler wie James Brown, Sly & The Family Stone oder Isaac Hayes hatten bereits den tanzbaren, groovebetonten Sound geprägt.

Parallel dazu entwickelte sich in New Yorks Underground-Clubszene – besonders in schwulen Clubs, afroamerikanischen und lateinamerikanischen Communities – eine neue Art, Musik zu erleben: DJs spielten nicht nur einzelne Songs, sondern mischten lange Sets aus seltenen Soul- und Funkplatten, oft mit verlängerten Breaks für die Tanzfläche.

Clubs wie das Loft von David Mancuso oder das Paradise Garage mit Larry Levan wurden zu Keimzellen dieser Kultur. Die Musik in diesen Räumen zeichnete sich durch einen gleichmäßigen, treibenden 4/4-Beat aus, üppige Streicher- und Bläserarrangements sowie eingängige Refrains. Nach dem offiziellen Ende der „Rassentrennung“ in den USA kamen weiße und schwarze Jugendliche zusammen und tanzten zur gleichen Musik.

Der Durchbruch: Mitte der 1970er

Ab 1974 begannen Plattenfirmen, gezielt für diesen Sound zu produzieren. Künstler wie Gloria Gaynor, Donna Summer, Barry White oder KC and the Sunshine Band verbanden Funk-Grooves mit Pop-Strukturen. Ein Schlüsselmoment war 1977 der Film Saturday Night Fever mit John Travolta, dessen Soundtrack von den Bee Gees Disco weltweit in den Mainstream katapultierte. Auch die schwedische Gruppe ABBA erkannte früh die Zeichen der Zeit und prägte einen unsterblichen Disco-Klassiker.

München spielte dabei eine zentrale Rolle: der Südtiroler Giorgio Moroder und der Brite Pete Bellotte brachten dort mit Donna Summer Hits wie „I Feel Love“ heraus, bei dem erstmals konsequent auf Synthesizer gesetzt wurde und schufen damit den bis heute gültigen Blueprint elektronischer Tanzmusik.

Disco in Europa

Europa entwickelte schnell eine eigene Disco-Szene. In Frankreich produzierten Cerrone oder Sheila & B. Devotion elegante, oft elektronisch akzentuierte Tracks. In Italien entwickelte sich Anfang der 1980er-Jahre eine stärker synthetische Variante, die später als Italo Disco bekannt wurde. Drumcomputer und polyphone Synthesizer lösten Live-Drums und Streicher ab, die Arrangements waren oft minimal, die Melodien eingängig und in einfachem Englisch gesungen, nicht selten mit charmantem Akzent. Deutschland spielte als Drehscheibe eine zentrale Rolle, vor allem durch das Label ZYX Music, das den Begriff „Italo Disco“ etablierte und die Platten in ganz Mitteleuropa verbreitete. Bis heute lebt der Stil in Nu-Disco-Produktionen und DJ-Sets fort, oft mit ironischem Augenzwinkern, aber unverkennbar inspiriert vom melodischen Minimalismus der 80er.

Auch Deutschland spielte eine wichtige Rolle bei der Entstehung von Disco, hatte von Beginn an aber auch einen starken Schlager-Anstrich: Boney M., von Frank Farian in Offenbach produziert, wurden ab Mitte der 1970er zu einer der erfolgreichsten Disco-Gruppen weltweit mit unzähligen Hits. Auch Silver Convention aus München landeten mit „Fly, Robin, Fly“ einen internationalen Erfolg.

Höhepunkt und Backlash: Späte 70er

Bis 1979 war Disco kommerziell auf dem Höhepunkt. Clubs wie das Studio 54 in New York waren Symbole einer ausschweifenden Nachtkultur, die Mode, Sexualität und Musik verschmolz. Gleichzeitig wuchs der Widerstand, vor allem in den USA: Die „Disco Sucks“-Bewegung kritisierte nicht nur den kommerziellen Überfluss, sondern war oft auch von latenten rassistischen und homophoben Haltungen geprägt. Der symbolische Wendepunkt war die Disco Demolition Night im Juli 1979 in Chicago, bei der Disco-Platten öffentlich zerstört wurden. Doch Disco war nicht so einfach totzukriegen, sondern entwickelte sich immer weiter.

Nachwirkungen: 1980er und darüber hinaus

Mit dem kommerziellen Einbruch verschwanden Disco-Elemente nicht etwa, sie wandelten sich und wurden härter. Der elektronische Ansatz von Moroder und anderen Produzenten ebnete den Weg für Hi-NRG und schließlich House Music in Chicago. Viele Disco-Künstler wechselten in die Pop- oder R&B-Charts der 80er, während DJs die Tanzflächen mit einem stetigen 4/4-Puls füllten, nun aber mit Drumcomputern und Synthesizern. House Music wurde nicht mehr von Sängern oder Interpreten dominiert, sondern von kreativen DJs, die ganz neue Spielarten erfanden, um die Tänzer in Ekstase zu treiben. Man ging jetzt auch nicht mehr in die „Disco“, sondern in Underground Clubs, häufig illegal umfunktionierte leerstehende Fabrikallen (so genannte Warehouses), um mit Unterstützung durch aufputschende Drogen wie Ecstasy exzessiv und tagelang zu feiern.

In Europa blieb der kommerzielle Disco-Sound länger populär. Italo Disco dominierte in den 80ern die Tanzflächen von Spanien bis Osteuropa, und in Deutschland entwickelten Produzenten wie Michael Münzing und Luca Anzilotti (später Snap!) aus Disco- und Funk-Einflüssen den Eurodance der 90er.

Disco heute: Revival und Reinterpretation

Seit den 2000ern erlebt Disco immer wieder Revivals. Künstler wie Daft Punk, Jamiroquai, Roísín Murphy, Jessie Ware oder Dua Lipa greifen auf die Ästhetik der 70er zurück und verbinden sie mit modernen Produktionsmethoden. Auch im Clubkontext wird der Einfluss der Disco-Tradition gepflegt: viele Clubs haben neben einem Techno-Floor bis heute einen Floor für Disco und House.

Stilmerkmale der Disco

• Beat: Gleichmäßiger 4/4-Rhythmus, meist 110–130 BPM, betonter Bassdrum- und Hi-Hat-Pattern
• Instrumentierung: Streicher, Bläser, Funkgitarren, Basslinien im Walking- oder Oktavstil
• Gesang: Oft soulig und melodisch, häufig bestehend nur aus Refrains mit hohem Wiedererkennungswert
• Produktion: Glatter, tanzflächenorientierter Mix, häufig von Produzenten getrieben
• Kultur: Starke Verbindung zu Club- und Modekultur, Ausdruck von Diversität und Freiheit

Disco war nie nur Musik zum Tanzen – sie war ein Soundtrack für gesellschaftliche Veränderungen, ein Ort der Selbstinszenierung und ein Schmelztiegel für Musikstile, aus dem House, Techno und Pop gleichermaßen schöpften. Dass ihre DNA bis heute in unzähligen Produktionen weiterlebt, zeigt, wie tief sie sich in das kollektive musikalische Gedächtnis eingebrannt hat.