Die 100 besten Alben aller Zeiten

Es gibt unendlich viele Bestenlisten zu den besten Alben aller Zeiten, da darf unsere nicht fehlen. Wir haben uns bei unserer Auswahl auf die Alben fokussiert, die den größten Einfluss auf die Musikgeschichte hatten und nicht auf die kommerziell erfolgreichsten.

Natürlich gibt es kein „bestes Album“, das ist und bleibt immer noch im Ermessen der Hörer, dennoch gibt es einige Alben, die der Musik durch Innovation und Originalität ganz neue Impulse gab und dadurch den Verlauf der Musikgeschichte änderte. Selbst wenn einige alte Alben heute etwas angestaubt klingen – Stereo gibt es erst seit Mitte der 60er Jahre – waren sie doch zu ihrer jeweiligen Zeit revolutionär.

Natürlich fehlen hier viele legendäre Alben, das liegt in der Natur solcher subjektiver Listen, aber als Inspiration für die eigene Musiksammlung auf Vinyl, CD oder Digital ist für wirklich jeden was dabei.

Die 100 besten Alben aller Zeiten

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1. The Beatles – Abbey Road (1969)

Das letzte gemeinsam aufgenommene Album der Beatles ist ein Abschied auf höchstem Niveau. „Abbey Road“ verbindet klassische Songwriting-Kunst mit technischer Präzision und visionärem Studioeinsatz. George Harrisons „Something“ und „Here Comes the Sun“ gehören zu seinen stärksten Beiträgen, während der Opener „Come Together“ John Lennons Coolness verkörpert. Das Highlight ist das durchkomponierte Medley auf der B-Seite: ein fließender Songzyklus, der von Bruchstücken und Übergängen lebt und das Prinzip des Albums als Kunstform neu definiert. Klanglich ist „Abbey Road“ das ausgereifteste Werk der Band – klar, warm, detailreich. Trotz interner Spannungen klingt das Album wie ein harmonisches Ganzes – ein würdevoller Schlusspunkt in einer beispiellosen Karriere.

2. Marvin Gaye – What’s Going On (1971)

Was als Reaktion auf Polizeigewalt und den Vietnamkrieg begann, wurde zum bahnbrechenden Konzeptalbum. Marvin Gaye setzte sich über die Regeln des Motown-Labels hinweg und kombinierte soulige Arrangements mit sozialkritischen Texten. Dabei entstand ein elegantes, zutiefst bewegendes Werk, das Soul als politische Ausdrucksform neu definierte.

3. Michael Jackson – Thriller (1982)

Der größte Pop-Erfolg aller Zeiten ist mehr als nur ein Phänomen der Verkaufszahlen. Michael Jackson verband auf „Thriller“ Funk, Rock und Disco zu einem stilprägenden Sound, der weltweit Standards setzte. Musikvideos wie zu „Billie Jean“ oder „Thriller“ machten ihn zum ersten globalen Popstar des MTV-Zeitalters. „Thriller“ stellt den einsamen Höhepunkt der Popkultur der 80er Jahre dar und ist bis heute unerreicht.

5. Talk Talk – Spirit of Eden (1988)

Ein radikaler Bruch mit dem Pop – und zugleich ein stilles Meisterwerk. „Spirit of Eden“ markiert einen Wendepunkt in der Geschichte populärer Musik: Talk Talk, zuvor mit Synthpop-Hits wie „Such A Shame“ oder „It’s My Life“ bekannt, verabschieden sich hier endgültig von klassischen Songstrukturen und schaffen ein Album, das sich jeder schnellen Kategorisierung entzieht. Die sechs Stücke wirken mehr wie Klanggemälde als wie Songs – sie entstehen aus der Stille, wachsen langsam, entfalten sich in unvorhersehbaren Wellen. „Spirit of Eden“ galt zunächst als kommerzieller Fehlschlag, beeinflusste aber auf lange Sicht ganze Musikrichtungen und begründete das Post-Rock-Genre.

4. Radiohead – OK Computer (1997)

Ein Album, das den Übergang ins digitale Zeitalter schon vorwegnahm. Dystopisch, verunsichert und doch wunderschön komponiert, reflektiert „OK Computer“ Themen wie Isolation, Technologie und Entfremdung. Radiohead verwandelten sich damit von britischer Gitarrenband in ein progressives Kunstprojekt mit Kultstatus.

6. Nirvana – Nevermind (1991)

Mit einem Gitarrenriff, das alles veränderte, katapultierten sich Nirvana über Nacht an die Spitze der Charts. „Nevermind“ brachte den rauen, authentischen Sound des Grunge in die Mainstream-Welt und machte Kurt Cobain zur Symbolfigur der Generation X. Der Einfluss des Albums auf die 90er ist kaum zu überschätzen.

7. Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (1973)

Ein Konzeptalbum über Zeit, Tod, Wahnsinn und Konsum – bis heute eines der meistverkauften und langlebigsten Alben der Musikgeschichte. Der Sound ist atmosphärisch dicht, die Produktion richtungsweisend. Ein Werk zwischen Philosophie und Rockästhetik.

8. Fleetwood Mac – Rumours (1977)

Was inmitten persönlicher Dramen entstand, wurde zu einem der meistverkauften Alben aller Zeiten. Die Spannungen innerhalb der Band – Trennungen, Affären, Eifersucht – flossen direkt in die Musik ein. „Rumours“ klingt dabei dennoch leicht, harmonisch und zugänglich, ein Meisterwerk zwischen Pop, Rock und introspektivem Storytelling.

9. Kate Bush – Hounds of Love (1985)

Kate Bush brachte das Kunstlied in den Pop. Auf „Hounds of Love“ kombinierte sie avantgardistische Klangexperimente mit großer Melodik und erzählerischer Tiefe. Der zweite Teil des Albums, ein siebenteiliges Suite-Werk, gehört zum Anspruchsvollsten, was der Pop der 80er hervorgebracht hat und bis heute zeitlos klingt.

10. Prince – Purple Rain (1984)

Kaum ein Künstler war so vielseitig wie Prince, und „Purple Rain“ fasst diese Spannbreite ideal zusammen. Mit hymnischen Gitarren, funkelnden Synths und erotischer Intensität sprengt das Album Genregrenzen. Der dazugehörige Film machte ihn endgültig zur Ikone, die nicht nur musikalisch, sondern auch stilistisch neue Maßstäbe setzte.

11. Bob Dylan – Highway 61 Revisited (1965)

Als Bob Dylan die akustische Gitarre gegen eine elektrische tauschte, war das für viele ein Affront. Doch der Umbruch markierte den Beginn einer neuen Ära. „Highway 61 Revisited“ verbindet Folk-Traditionen mit Rock-Attitüde und schafft literarische Texte mit großer Relevanz. Die Zeile „How does it feel?“ ist längst Teil des kollektiven Gedächtnisses.

12. The Beach Boys – Pet Sounds (1966)

Brian Wilsons musikalische Vision veränderte die Vorstellung von Popmusik nachhaltig. Die kunstvollen Arrangements, emotional aufgeladenen Harmonien und ungewöhnlichen Instrumentierungen machen „Pet Sounds“ zu einem der einflussreichsten Alben des 20. Jahrhunderts. Paul McCartney bezeichnete es später als Hauptinspiration für das folgende Beatles-Album.

13. David Bowie – The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

Mit Ziggy Stardust schuf David Bowie eine Kunstfigur, die Glamour, Science-Fiction und Rock vereinte. Das Album erzählt vom Untergang eines außerirdischen Rockstars, bleibt aber stets menschlich und zugänglich. Es war nicht nur stilprägend für die Glam-Rock-Ära, sondern auch ein Plädoyer für künstlerische Freiheit und Identitätsvielfalt.

14. Joni Mitchell – Blue (1971)

Roh, verletzlich und kompromisslos persönlich – Joni Mitchell schrieb auf „Blue“ über gescheiterte Beziehungen, Selbstzweifel und Freiheitssehnsucht, wie es zuvor keine andere Musikerin gewagt hatte. Ihre poetische Sprache, der minimalistische Sound und die klare Stimme machen das Album zum Referenzpunkt für Generationen von Songwriterinnen.

15. Bjork – Homogenic (1997)

Isländischer Pop trifft auf orchestralen Techno. Mit „Homogenic“ entwirft Björk ein Klanguniversum zwischen Naturgewalt und digitaler Präzision. Ihre Stimme oszilliert zwischen Anmut und Aggression, die Texte kreisen um Individualität und emotionale Extreme. Bis heute eines ihrer geschlossensten Alben.

16. Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly (2015)

Kaum ein Album der letzten Dekade wurde so vielschichtig analysiert wie dieses. Kendrick Lamar kombiniert Jazz, Funk und Spoken Word mit politischem Bewusstsein. Die Texte kreisen um schwarze Identität, strukturellen Rassismus und persönlichen Zwiespalt. Ein modernes Epos, das Hip-Hop neu definiert hat.

17. The Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico (1967)

Kommerziell war das Debüt um Lou Reed zunächst ein Flop. Doch mit der Zeit wurde es zum Gründungsdokument des Art-Rock. Die Mischung aus avantgardistischen Sounds, existenziellen Texten und Nico als kühl-distanzierter Stimme wirkt bis heute nach – von Punk über Indie bis Noise.

18. PJ Harvey – To Bring You My Love (1995)

Ein Album voller existenzieller Dunkelheit, körperlicher Dringlichkeit und spiritueller Suche. PJ Harvey verwandelt hier Blues, Gospel und Industrial-Elemente in eine klangliche Fieberfantasie. Songs wie „Down by the Water“, „C’mon Billy“ oder der Titeltrack kreisen um Begehren, Schuld, göttliche Strafe und weibliche Selbstermächtigung. Die Produktion – reduziert, aber unheimlich klar – unterstreicht Harveys Präsenz als Erzählfigur, die nicht um Zustimmung bittet, sondern Räume für Ambivalenz öffnet. To Bring You My Love war ein künstlerischer Durchbruch, beeinflusste Björk, St. Vincent und viele andere, und gilt als eines der besten Alben der 90er Jahre.

19. Kraftwerk – Die Mensch-Maschine (1978)

Mit reduzierter Elektronik, mechanischen Rhythmen und deutschen Texten setzten Kraftwerk einen Meilenstein, der weltweit gehört wurde. Besonders in Detroit und New York war der Einfluss von Kraftwerks legendärem Album auf Techno, Electro und Hip-Hop enorm. Dieses Album war der Klang der Zukunft – produziert in Düsseldorf.

20. Led Zeppelin – IV (1971)

Enthält mit „Stairway to Heaven“ einen der berühmtesten Songs aller Zeiten, doch das Album ist mehr als das. Es verbindet Folk, Hardrock und Blues mit einer mythologischen Erzählhaltung – episch ohne bombastisch zu wirken.

21. Miles Davis – Kind of Blue (1959)

Ein Klassiker des Jazz, der auch weit über das Genre hinausreicht. Mit cooler Gelassenheit und offener Struktur etablierte Miles Davis den modalen Jazz. Die Aufnahmen mit John Coltrane und Bill Evans gehören zu den meistzitierten Momenten der Musikgeschichte.

22. Patti Smith – Horses (1975)

Eine Punkpoetin tritt ins Rampenlicht: Patti Smiths Debütalbum beginnt mit den legendären Worten „Jesus died for somebody’s sins but not mine“. Sie verbindet rohe Gitarren mit literarischen Anspielungen und erschafft ein Manifest feministischer Selbstbehauptung. Das Album ebnete den Weg für Frauen im Rock.

23. The Beatles – Revolver (1966)

Ein Wendepunkt nicht nur für die Beatles, sondern für die gesamte Popmusik. „Revolver“ markiert den Übergang von Beat zur Studio-Avantgarde. Songs wie „Eleanor Rigby“ oder „Tomorrow Never Knows“ zeigen, wie Pop auch künstlerische Tiefe entwickeln kann, ohne an Eingängigkeit zu verlieren. Das ursprünglich noch Mono aufgenommene Album erschien 2022 auch in Stereo.

24. Joy Division – Unknown Pleasures (1979)

Düster, minimalistisch und voller existenzieller Schwere: Das Debüt von Joy Division war der Beginn einer neuen Ära in der britischen Musik. Die kalte Ästhetik von Produzent Martin Hannett und Ian Curtis‘ eindringliche Stimme begründeten Post-Punk als eigenständige Ausdrucksform. Nach dem frühen Tod von Ian Curtis im Jahr 1980 erfand sich die Band als New Order neu.

25. New Order – Power, Corruption & Lies (1983)

„Power, Corruption & Lies“ ist das Album, mit dem New Order sich endgültig von der Vergangenheit emanzipierten – der Vergangenheit als Joy Division. Nach dem Tod von Ian Curtis und einem unsicheren Übergang wagte die Band hier einen radikalen Neuanfang: weniger düster, dafür tanzbarer, elektronischer, aber nicht weniger visionär. Der Überhit „Blue Monday“ – kurz zuvor erschienen – fehlt auf dem Album, wirkt aber wie sein schillernder Satellit.

26. Bruce Springsteen – Born to Run (1975)

Ein Album, das vom amerikanischen Traum erzählt – und zugleich dessen Scheitern beschreibt. Mit epischen Arrangements und großer erzählerischer Geste verbindet Springsteen hier Rock’n’Roll-Romantik mit Working-Class-Realität. „Born to Run“ wurde zum Soundtrack eines rastlosen Amerikas.

27. Nick Drake – Pink Moon (1972)

Keine 30 Minuten lang, nur Gitarre und Stimme – und dennoch ein Album von eindringlicher Schönheit. Nick Drake veröffentlichte „Pink Moon“ kurz vor seinem frühen Tod. Lange verkannt, gilt es heute als stilles Meisterwerk der melancholischen Liedkunst, das zahllose Songwriter geprägt hat.

28. Lauryn Hill – The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

Zwischen Soul, Hip-Hop und Reggae schuf Lauryn Hill ein Album, das persönliche Geschichten mit gesellschaftlichem Anspruch verband. Ihr Solodebüt wirkt wie ein intimes Tagebuch und zugleich wie eine Selbstermächtigung. Als Frau im Rap dominiert sie mit Intelligenz, Stimme und Charisma ein Genre, das damals kaum weibliche Stars kannte.

29. Depeche Mode – Violator (1990)

Mit Violator gelingt Depeche Mode der internationale Durchbruch – und gleichzeitig die klangliche Verfeinerung ihres bisherigen Sounds. Elektronische Kühle trifft auf emotionale Direktheit, Industrial-Anleihen auf fast sakrale Melodien. „Enjoy the Silence“ oder „Personal Jesus“ zählen zu ihren bekanntesten Stücken, doch das Album funktioniert als Gesamtwerk: geschlossen, düster, modern. Synthpop mit Tiefgang.

30. Can – Tago Mago (1971)

Mit frei fließenden Rhythmen, improvisierten Strukturen und experimentellen Klanglandschaften schufen Can eines der radikalsten Alben der deutschen Musikgeschichte. „Tago Mago“ beeinflusste nicht nur Krautrock, sondern auch Post-Rock, Techno und Noise-Musik weltweit.

31. The Rolling Stones – Exile on Main St. (1972)

In Frankreich im Exil aufgenommen, ist dieses Album ein wilder Mix aus Rock, Blues, Gospel und Soul. Die Stones klingen hier ungeschliffen, dreckig und authentisch. „Exile on Main St.“ wird oft als ihr komplexestes und gleichzeitig ehrlichstes Werk bezeichnet.

32. Portishead – Dummy (1994)

Schwere Beats, jazzige Samples und Beth Gibbons‘ melancholische Stimme – Portishead prägten mit „Dummy“ das Genre Trip-Hop. Der Soundtrack zur Desillusionierung der 90er, atmosphärisch dicht und stilprägend für eine ganze Ära introspektiver Clubmusik.

33. Talking Heads – Remain in Light (1980)

Was passiert, wenn man Funk mit Post-Punk verbindet und dazu afrikanische Polyrhythmik mischt? Die Talking Heads liefern mit „Remain in Light“ ein experimentelles Meisterwerk, das durch Brian Enos Produktion zum Kunstobjekt wird. Tanzbar, intellektuell, unberechenbar – ein Wendepunkt für den Art-Rock.

34. The Notorious B.I.G. – Ready to Die (1994)

Ein Debütalbum mit erzählerischer Wucht. Biggie Smalls schildert auf Ready to Die seinen Weg von Armut, Gewalt und Zweifel zum selbstreflexiven Erfolg. Die Produktion oszilliert zwischen Eastcoast-Rohheit und radiotauglichem Funk, die Texte sind direkt, oft brutal, aber immer stilistisch brillant. Ready to Die prägte den Sound der Eastcoast-Renaissance und machte Biggie zur stilprägenden Ikone des Genres.

35. Dr. Dre – The Chronic (1992)

Ein Wendepunkt in der Soundästhetik des Hip-Hop. The Chronic brachte G-Funk in den Mainstream – mit langsamen Beats, Parliament-Funkadelic-Samples und dicken Basslines. Snoop Dogg feierte hier sein Debüt, und die Westcoast-Ästhetik wurde über Nacht zum dominierenden Klang der 90er. Das Album war zugleich Soundtrack, Lifestyle und politische Chiffre in einem post-Rodney-King-Amerika.

36. Nas – Illmatic (1994)

Ein kompaktes Album mit zehn Tracks, produziert von Größen wie DJ Premier, Pete Rock und Q-Tip. Illmatic definierte den Sound des Eastcoast-Rap neu: introspektiv, poetisch und technisch präzise. Nas erzählt in dichten, filmischen Szenen von Kindheit, Armut und Überleben in Queensbridge, New York. Das Album gilt als Blaupause für lyrisch anspruchsvollen Rap – ein künstlerisches Ideal, an dem sich bis heute viele messen.

37. OutKast – Stankonia (2000)

André 3000 und Big Boi schaffen auf „Stankonia“ ein chaotisch-geniales Album, das den Süden der USA ins Zentrum der Hip-Hop-Welt rückte. Psychedelisch, schräg und funky – hier wird jeder Track zur Spielwiese für Ideen, die oft Jahre später im Mainstream ankamen.

38. The Cure – Disintegration (1989)

Robert Smiths melancholisches Opus magnum klingt wie ein endloser Herbst. „Disintegration“ zelebriert emotionale Intensität ohne Kitsch, getragen von sphärischen Gitarren und düsteren Synths. Für viele das schönste Album über Einsamkeit, Verlust und Sehnsucht.

39. Fugees – The Score (1996)

Selten war Conscious Rap so massenkompatibel. Die Fugees verbanden auf „The Score“ Soul-Samples, Reggae-Vibes und politische Botschaften. Lauryn Hills Stimme hebt das Album über das Genre hinaus, und Songs wie „Ready or Not“ oder „Killing Me Softly“ wurden sofortige Klassiker.

40. Aphex Twin – Selected Ambient Works 85–92 (1992)

Richard D. James formte auf diesem Album ein eigenes Genre. Die Tracks, irgendwo zwischen Ambient, Acid und abstrakter Electronica, wirken wie Träume ohne Sprache. Kein anderer Produzent hat elektronische Musik auf so subtile Weise aus dem Club in den Kunstkontext gebracht.

41. Nina Simone – Pastel Blues (1965)

Mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft vereint Nina Simone hier Spirituals, Blues und Jazz. Songs wie „Strange Fruit“ und besonders das düstere „Sinnerman“ sind nicht nur musikalische, sondern auch politische Statements. Ihre Stimme wird zur Anklage, ihr Klavierspiel zur Waffe – leise, aber unerschütterlich.

42. Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (1973)

Doppel-Album voller Glam, Balladen und barockem Pop mit  „Candle in the Wind“ und „Bennie and the Jets“. Der Titel ist inspiriert vom “Zauberer von Oz” und war auch das Motto der Abschiedstour von Elton John.

43. Rage Against the Machine – Rage Against the Machine (1992)

Schon das Cover mit dem brennenden Mönch macht klar, worum es hier geht. Wut, Widerstand, Haltung – verpackt in einem explosiven Mix aus Metal und Rap. Tom Morellos Gitarrenspiel und Zack de la Rochas Lyrics setzen neue Maßstäbe für politisch motivierte Rockmusik.

44. George Michael – Faith (1987)

Mit seinem Solodebüt gelingt George Michael die Emanzipation vom Teenie-Star zum stilprägenden Popmusiker. Faith verbindet Funk, Soul, Gospel und Mainstream-Pop mit einer Selbstverständlichkeit, die in den 80er Jahren selten war. Hinter der makellosen Produktion stehen Songs über Sexualität, Glauben und gesellschaftliche Projektionen. „Father Figure“ oder „One More Try“ wirken dabei überraschend intim und reduziert – fernab der Bühne, auf der er selbst oft überlebensgroß erschien.

45. Queen – A Night at the Opera (1975)

Ein Album, das kaum kategorisierbar ist: Queen vereinen auf „A Night at the Opera“ pompösen Rock, britischen Humor, Balladen, Hardrock und Vaudeville zu einem eigenen Universum. „Bohemian Rhapsody“ sprengt alle Songkonventionen und wurde zur Jahrhundert-Single. Doch auch abseits davon besticht das Album durch kreative Produktion, theatralische Gesangsharmonien und musikalische Virtuosität. Ein Meilenstein zwischen Rockoper und Pop-Theater.

46. Lou Reed – Transformer (1972)

Ein Soloalbum mit Glam-Attitüde, produziert von David Bowie und Mick Ronson. Lou Reed erzählt auf Transformer von Drag Queens, Stadtnächten, Genderrollen und Außenseitertum. Songs wie „Walk on the Wild Side“ oder „Perfect Day“ wurden zu Klassikern – nicht trotz, sondern wegen ihrer Ambivalenz zwischen Empathie und Zynismus. Ein zentrales Werk queerer Popgeschichte.

47. Missy Elliott – Supa Dupa Fly (1997)

Missy Elliott sprengte mit ihrem Debüt alle Konventionen. Timbalands futuristische Beats, ihre humorvollen und selbstbewussten Texte sowie das extravagante Artwork machen „Supa Dupa Fly“ zu einem der innovativsten Hip-Hop-Alben der 90er. Bis heute sind ihre Ideen spürbar – stilistisch wie thematisch.

48. Nick Cave and the Bad Seeds – The Boatman’s Call (1997)

Eine Abkehr vom düsteren Storytelling früherer Werke. Statt morbider Balladen schreibt Nick Cave hier Liebeslieder von fast schon biblischer Ernsthaftigkeit. Die Musik ist zurückgenommen, die Stimme brüchig und offen. Ein Album voller Demut und Klarheit, das tief unter die Haut geht.

49. King Crimson – In the Court of the Crimson King (1969)

Ein Monument des Progressive Rock. Mit bombastischen Bläsern, düsteren Klangkaskaden und surrealen Texten definieren King Crimson hier ein Genre, das bis dahin noch keinen Namen hatte. Der Opener „21st Century Schizoid Man“ wirkt bis heute wie ein Warnsignal vor der Moderne.

50. Leonard Cohen – Songs of Leonard Cohen (1967)

Schlicht instrumentiert, doch textlich überragend. Leonard Cohens Debütalbum versammelt poetische Miniaturen über Einsamkeit, Spiritualität und zerbrechliche Beziehungen. Mit ruhiger Stimme und präzisen Worten schuf er ein Werk, das Singer-Songwriting als literarische Disziplin etablierte.

51. Black Sabbath – Paranoid (1970)

Mit schweren Gitarrenriffs, düsteren Themen und kompromisslosem Sound wurde „Paranoid“ zur Blaupause des Heavy Metal. Songs wie „War Pigs“, „Iron Man“ und der Titeltrack klingen bis heute wie eine Warnung vor gesellschaftlichem Zerfall – laut, roh und direkt aus dem industriellen Herzen Birminghams.

52. Curtis Mayfield – Super Fly (1972)

Ursprünglich als Soundtrack zum gleichnamigen Film geplant, entwickelte sich „Super Fly“ zum eigenständigen Meilenstein des Soul. Curtis Mayfield beleuchtet hier Drogenhandel, Armut und Selbstbestimmung aus schwarzer Perspektive. Funkige Grooves treffen auf scharfe Sozialkritik – ein Klassiker des politischen Soul.

53. The Smiths – The Queen Is Dead (1986)

Ironie, Melancholie und Pop-Appeal – The Smiths fassen auf diesem Album alles zusammen, was britische Gitarrenmusik der 80er ausmacht. Morrisseys Texte pendeln zwischen Weltschmerz und Spott, Johnny Marr liefert das melodische Gegengewicht. Bis heute prägend für unzählige Indie-Bands.

54. John Lennon – Imagine (1971)

Ein Jahr nach dem rohen Plastic Ono Band wendet sich Lennon einer zugänglicheren Klangsprache zu, ohne seinen inhaltlichen Ernst aufzugeben. Imagine ist sein kommerziell erfolgreichstes Soloalbum und enthält mit dem Titeltrack eine der bekanntesten Friedenshymnen der Musikgeschichte. Doch das Album ist mehr als nur Pazifismus im Klaviergewand: Songs wie „Jealous Guy“ oder „How Do You Sleep?“ zeigen eine fragile, gekränkte und zugleich kämpferische Künstlerpersönlichkeit. Die Produktion ist warm, die Melodien klar, der Ton persönlicher als bei den Beatles. Imagine bleibt ein Schlüsselwerk für alle, die Pop als Ort für gesellschaftliche Utopien und biografische Brüche verstehen.

55. The Doors – The Doors (1967)

Mit Orgel, Blues und psychedelischem Überschwang wurde das Debüt von The Doors zum Inbegriff des musikalischen Grenzgangs. Jim Morrisons Stimme oszilliert zwischen Lyriker und Schamane, die Songs changieren zwischen Exzess und Innerlichkeit. „The End“ bleibt ein rätselhafter Abgesang auf die Unschuld der 60er.

56. Carole King – Tapestry (1971)

Eine der erfolgreichsten Songwriterinnen Amerikas legt hier ein intimes, starkes Soloalbum vor. „It’s Too Late“ und „You’ve Got a Friend“ gehören zum Kanon der 70er, doch es ist die Ruhe und Klarheit, die „Tapestry“ unvergänglich macht.

57. Laurie Anderson – Big Science (1982)

Technologie, Sprache und Körper – Laurie Andersons Debütalbum ist ein Konzeptkunstwerk zwischen Performance, Minimal Music und elektronischer Avantgarde. Mit Tracks wie „O Superman“ gelang ihr ein unerwarteter Hit, der den Begriff „Pop“ auf irritierende Weise neu definierte.

58. Tracy Chapman – Tracy Chapman (1988)

Ein leises Debüt, das mit „Fast Car“ gleich einen Welthit liefert. Chapmans klare Sprache und politische Themen machten sie zu einer der wichtigsten Stimmen der 80er – Folk als Form des Widerstands.

59. Beastie Boys – Paul’s Boutique (1989)

Was bei Erscheinen noch als Flop galt, wird heute als Sample-Meisterwerk verehrt. „Paul’s Boutique“ enthält über 100 Querverweise auf Funk, Rock, Soul und Pop. Die Beastie Boys entwickelten sich hier vom Partytrio zur progressiven Hip-Hop-Formation, die Klang als Archiv denkt.

60. Massive Attack – Mezzanine (1998)

Dunkel, langsam und beinahe hypnotisch. „Mezzanine“ lotet die Grenzen zwischen Trip-Hop, Dub, Rock und Electronica aus. Songs wie „Teardrop“ oder „Angel“ wirken wie Filmsequenzen in Zeitlupe – atmosphärisch dicht und emotional aufgeladen. Ein Album, das mehr flüstert als spricht.

61. Roxy Music – For Your Pleasure (1973)

Art-Rock mit Glam-Appeal und avantgardistischem Unterton. Auf ihrem zweiten Album treiben Roxy Music ihre Ästhetik ins Extreme. Bryan Ferry changiert zwischen Crooner und Dandy, während Brian Eno elektronische Experimente in den Pop schleicht. Ein frühes Beispiel für dekonstruktiven Luxus-Sound.

62. Elliott Smith – Either/Or (1997)

Verletzlichkeit und lakonische Schönheit prägen dieses stille Meisterwerk. Elliott Smiths drittes Album wirkt wie ein akustisches Tagebuch, reduziert, aber voller Gefühl. Mit sanfter Stimme singt er über Isolation, Selbstzweifel und Hoffnung – ein bleibender Einfluss auf Indie-Songwriting bis heute.

63. Bob Dylan – Bringing It All Back Home (1965)

Ein Wendepunkt in der Geschichte des Songwritings. Mit „Bringing It All Back Home“ bringt Dylan zum ersten Mal elektrische Gitarren in seine Musik – ein Tabubruch für das puristische Folkpublikum. Die A-Seite ist elektrisch, rockig, zupackend, mit Songs wie „Subterranean Homesick Blues“ oder „Maggie’s Farm“. Die B-Seite dagegen bleibt akustisch und enthält einige seiner größten Balladen, darunter „Mr. Tambourine Man“ und „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“. Das Album verbindet surrealen Witz mit politischer Schärfe, lakonischem Existenzialismus und poetischer Tiefe. Dylan erschafft hier nicht nur neue Songformen, sondern erweitert den popkulturellen Horizont – weg vom einfachen Protestsong hin zu komplexer, mehrdeutiger Literatur in musikalischer Form.

64. The Roots – Things Fall Apart (1999)

Live-Instrumentierung im Hip-Hop war Ende der 90er noch ein Ausnahmefall. The Roots verbanden Soul, Jazz und Conscious Rap zu einem organischen Sound, der zugleich groovt und reflektiert. Das Album gilt als inhaltlich und musikalisch dichtes Zeugnis schwarzer Stadtrealität in der Jahrtausendwende.

65. The Stooges – Fun House (1970)

Roher, aggressiver und kompromissloser war kaum ein Album zu seiner Zeit. Iggy Pop schreit sich durch verzerrte Gitarren, repetitive Riffs und kontrolliertes Chaos. „Fun House“ war seiner Zeit weit voraus und wurde zum Gründungsdokument des Punk und Garage Rock.

66. Billie Holiday – Lady in Satin (1958)

Ein spätes Album, gezeichnet von persönlichem Leid und gelebter Geschichte. Billie Holidays Stimme ist brüchig, fast schon zerfallen – aber gerade dadurch wirkt „Lady in Satin“ so tief. Unterstützt von orchestralen Arrangements entsteht ein emotionaler Abgesang voller Würde und Schmerz.

67. Sonic Youth – Daydream Nation (1988)

Gitarrenmusik wird hier dekonstruiert, gedehnt, entgrenzt. Sonic Youth liefern mit „Daydream Nation“ ein monumentales Werk zwischen Noise, Punk und Avantgarde. Die Songs klingen zugleich chaotisch und strukturiert, aggressiv und intellektuell. Ein Meilenstein für alternative Rockmusik.

68. Simon & Garfunkel – Bridge Over Troubled Water (1970)

Ein elegisches Abschiedswerk mit hymnischer Weite und tiefer Melancholie. Das Duo Simon & Garfunkel verbindet hier Folk, Gospel, Klassik und Pop zu einem der klanglich ambitioniertesten Alben seiner Zeit. Der Titelsong wurde zu einem der größten Hits der 70er und zur weltweiten Trost-Hymne. Auch die übrigen Songs wie „The Boxer“ oder „Cecilia“ zeigen ein Duo auf dem Höhepunkt ihres Könnens – kurz vor dem Bruch.

69. Amy Winehouse – Back to Black (2006)

Mit großer Geste und tiefer Verletzlichkeit vereint Amy Winehouse Motown-Soul, 60s-Girlgroup-Ästhetik und moderne Songwriterkunst. Songs wie „Rehab“ oder „Love Is a Losing Game“ sind tragische Hymnen einer Künstlerin, die zwischen Exzess und Introspektion oszilliert. Ein Klassiker des 21. Jahrhunderts.

70. The Stone Roses – The Stone Roses (1989)

Britischer Indie-Rock mit psychedelischem Glanz. Das Debüt der Stone Roses wurde zur Keimzelle der „Madchester“-Bewegung und prägte spätere Bands wie Oasis, Blur und The Verve nachhaltig.

71. My Bloody Valentine – Loveless (1991)

Ein Klang wie Nebel, durchzogen von Gitarren, die zugleich laut und schwerelos klingen. Kevin Shields schuf mit „Loveless“ das Referenzwerk des Shoegaze-Genres. Die Songs wirken wie Erinnerungen an etwas, das nie ganz greifbar war. Kein anderes Album hat den Begriff „Soundwand“ so sehr geprägt.

72. Gil Scott-Heron – Pieces of a Man (1971)

Ein Album, das Poesie, Jazz und politischen Realismus miteinander verbindet. Gil Scott-Heron gilt als einer der Wegbereiter des Hip-Hop, nicht zuletzt durch „The Revolution Will Not Be Televised“. „Pieces of a Man“ verhandelt soziale Ungerechtigkeit mit messerscharfer Sprache und warmer Stimme.

73. Björk – Vespertine (2001)

Reduktion als Ausdruck von Intimität. Auf „Vespertine“ verwandelt Björk den Computer in ein Instrument der Zärtlichkeit. Samples von Haushaltsgeräuschen, subtil eingesetzte Beats und eine Stimme, die sich zurücknimmt, statt zu dominieren. Ein winterlich wirkendes Album über Nähe, Körperlichkeit und digitale Innenwelten.

74. De La Soul – 3 Feet High and Rising (1989)

Mit bunten Samples, spielerischen Reimen und surrealem Humor stellten De La Soul den damaligen Macho-Rap auf den Kopf. Ihr Debütalbum war eine kreative Explosion, die Hip-Hop auf eine neue intellektuelle Ebene hob und als Blaupause für Alternative Rap diente.

75. Neil Young – Harvest (1972)

Mit „Heart of Gold“ und „Old Man“ schrieb Neil Young Country-inspirierte Songs über Alter, Verlust und Identität. „Harvest“ wurde sein kommerziell erfolgreichstes Album und beeinflusste spätere Songwriter von Beck bis Bon Iver.

76. Public Enemy – It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back (1988)

Ein Manifest des politischen Rap. Bomb Squad produziert einen lärmenden Soundteppich, Chuck D feuert Texte über Rassismus, Medienmanipulation und Selbstermächtigung. Das Album wirkt wie ein akustisches Pamphlet – konfrontativ, unbequem und bis heute relevant.

77. John Coltrane – A Love Supreme (1965)

Ein spirituelles Jazz-Meisterwerk, das über Genregrenzen hinaus wirkt. Coltrane schafft mit A Love Supreme eine Suite über Hingabe, Erlösung und Transformation – intensiv, meditativ, tiefgründig.

78. The Clash – London Calling (1979)

Zwei Jahre nach dem Punk-Urknall weiteten The Clash ihren Sound um Reggae, Ska, Rockabilly und Pop aus. „London Calling“ war ein politisches Statement mit tanzbarem Beat, zorniger Stimme und klarem Kompass. Bis heute ein Paradebeispiel für musikalisches Engagement ohne ideologisches Pathos.

79. Bee Gees – Saturday Night Fever (Soundtrack) (1977)

Der Soundtrack zum gleichnamigen Film wurde zum Soundtrack einer ganzen Ära. Die Bee Gees dominierten mit Songs wie „Stayin’ Alive“ oder „Night Fever“ die Disko-Ästhetik der späten 70er. Tanzbar, hochproduziert und stilprägend. Auch wenn es ein Soundtrack ist: Dieses Werk ist das Herzstück des Bee-Gees-Vermächtnisses.

80. Arcade Fire – Funeral (2004)

Aus der Indie-Szene Kanadas kommend, gelang Arcade Fire mit ihrem Debütalbum ein emotional aufgeladenes Statement über Verlust, Hoffnung und Zusammenhalt. Die orchestralen Arrangements, mehrstimmigen Chöre und eruptiven Songstrukturen machten „Funeral“ zu einem der wichtigsten Alben der Nullerjahre.

81. LCD Soundsystem – Sound of Silver (2007)

James Murphy schafft auf „Sound of Silver“ eine Verbindung aus Club, Punk und Melancholie. Die Songs klingen wie Nächte, die nicht enden sollen, voller Nostalgie und Rhythmus. Besonders „All My Friends“ wurde zur inoffiziellen Hymne einer Generation, die zwischen Jugend und Erwachsenwerden pendelt.

82. Patti LaBelle – Nightbirds (1974)

Funk, Soul und eine Prise Disco: Mit „Nightbirds“ erreichte Patti LaBelle einen neuen Höhepunkt. Der Song „Lady Marmalade“ wurde ein Welthit, doch auch abseits davon glänzt das Album mit kraftvollen Arrangements und stimmlicher Extraklasse. Es war ein Wendepunkt für schwarze weibliche Selbstinszenierung im Pop.

83. Stevie Wonder – Songs in the Key of Life (1976)

Ein doppeltes Meisterwerk, das Funk, Jazz, Soul und Pop zu einem Klangkosmos vereint. Stevie Wonder zeigt hier seine ganze musikalische Bandbreite – mit sozialem Bewusstsein, spiritueller Tiefe und melodiöser Raffinesse.

84. Cocteau Twins – Heaven or Las Vegas (1990)

Ein Album wie ein Tagtraum aus Licht und Dunst. Die Cocteau Twins verfeinern auf Heaven or Las Vegas ihren ohnehin einzigartigen Sound aus schwebenden Gitarren, verwaschenen Harmonien und Elizabeth Frasers entrücktem Gesang zu einem zugänglicheren, fast poppigen Höhepunkt. Trotz aller klanglichen Abstraktion wirkt das Album emotional unmittelbar – voller Sehnsucht, Melancholie und Wärme. Die Texte sind oft nur phonetisch erfahrbar, die Stimmen ein eigenes Instrument. Heaven or Las Vegas wurde rückblickend zum zentralen Werk des Dream Pop und beeinflusste Bands wie Beach House, Sigur Rós oder M83 nachhaltig. Ein atmosphärisches Monument zwischen Pop und Schwebezustand.

85. Frank Ocean – Blonde (2016)

Ein Album wie ein innerer Monolog. Frank Ocean dekonstruiert auf „Blonde“ klassische Songstrukturen und schafft intime Klangräume voller Unsicherheit und Sehnsucht. Die Produktion ist minimalistisch, fast meditativ, die Texte reflektieren Identität, Sexualität und Vergänglichkeit.

86. ABBA – Arrival (1976)

Das Album, mit dem ABBA endgültig zur globalen Popmacht wurden. Arrival enthält gleich mehrere ihrer ikonischsten Songs: „Dancing Queen“, „Knowing Me, Knowing You“ und „Money, Money, Money“. Die Produktion ist makellos, der Chorgesang brillant geschichtet, das Songwriting auf dem Höhepunkt. Zwischen Euphorie und Melancholie entwickeln ABBA hier einen Sound, der Pop zugleich emotional und unentrinnbar eingängig macht. Arrival ist das definitive ABBA-Album – ein Klassiker, der Genregrenzen sprengte und Popmusik weltweit neu definierte.

87. Ramones – Ramones (1976)

14 Songs in 29 Minuten. Dieses Album war der Startschuss für Punkrock – mit simplen Akkorden, schneller Schlagzeugarbeit und einem radikal reduzierten Sound. Die Ramones machten Musik wieder zugänglich, direkt und körperlich.

88. Tangerine Dream – Phaedra (1974, Deutschland)

Ein Grundstein der elektronischen Musik. Tangerine Dream arbeiteten mit modularen Synthesizern, langen Improvisationen und schwebenden Klangflächen. „Phaedra“ prägte nicht nur Ambient und Trance, sondern auch Filmmusik und Science-Fiction-Ästhetik.

89. Talking Heads – Speaking in Tongues (1983)

Mit diesem Album gaben sich die Talking Heads endgültig dem Funk hin. „Burning Down the House“ wurde ihr größter Hit, doch das Album zeigt vor allem, wie sehr Popmusik von rhythmischer Komplexität leben kann. David Byrnes ironische Texte treffen auf warme Grooves und klangliche Exzentrik.

90. The Police – Synchronicity (1983)

Ein stilistisch vielfältiges Album zwischen New Wave, Pop und Weltmusik. „Every Breath You Take“ wurde zum Welthit, doch auch abseits davon brilliert Synchronicity durch komplexe Arrangements, psychologische Tiefen und einen zunehmend kunstvollen Zugang zum Songwriting. Das letzte Album der Band, aber ihr reifstes.

91. The Eagles – Hotel California (1976)

Ein Album über Desillusion, Exzess und das Ende des amerikanischen Traums. Die Eagles kombinieren Westcoast-Rock mit Country-Einflüssen und liefern mit dem Titeltrack eine der bekanntesten Gitarrenballaden der Rockgeschichte. Hotel California wurde zum Inbegriff des 70er-Jahre-Classic-Rocks – präzise produziert, musikalisch makellos und voller unterschwelliger Melancholie.

92. AC/DC – Back in Black (1980)

Das erste Album nach dem Tod von Bon Scott – und gleichzeitig das erfolgreichste der Band. Mit Brian Johnson als neuem Sänger und Hits wie „Hells Bells“ oder „You Shook Me All Night Long“ wurde Back in Black zur Hard-Rock-Blaupause. Roh, riffstark und ohne überflüssige Schnörkel – Rockmusik in Reinform.

93. Tom Waits – Rain Dogs (1985)

Ein surrealistisches Stadtpanorama voller kaputter Figuren, schräger Rhythmen und abseitiger Instrumente. Waits’ Stimme knarzt wie ein rostiger Tanker, die Songs sind durchzogen von Polka, Tango, Blues und No-Wave. Ein Klassiker abseits der Norm.

94. Sufjan Stevens – Illinois (2005)

Ein Konzeptalbum über den US-Bundesstaat Illinois – voller Bläser, Streicher und Intimität. Sufjan Stevens gelingt hier ein barockes, emotional tiefes Werk, das zwischen orchestraler Größe und flüsternder Introspektion pendelt. Eines der ambitioniertesten Folk-Pop-Alben der Nullerjahre.

95. The Cure – Pornography (1982)

Dunkler als alles zuvor. Auf Pornography steigern The Cure ihre Gothic-Phase zur maximalen emotionalen Dichte. Verzweiflung, Isolation und Kontrollverlust durchziehen dieses Album wie ein kalter Nebel. Ein kompromissloses Statement zwischen Kunst und Abgrund.

96. Nine Inch Nails – The Downward Spiral (1994)

Ein Konzeptalbum über Selbstzerstörung, Kontrollverlust und Entfremdung. Trent Reznor vermischt Industrial, Metal und Elektronik zu einem düsteren Klangbild, das fast physisch wirkt. The Downward Spiral wurde zur Soundtrack einer Generation, die das Digitale als Kälte und Bruch erlebte.

97. Billie Eilish – Hit Me Hard and Soft (2024)

Ein Album, das seinen Titel ernst nimmt: emotional direkt, klanglich subtil, oft leise, aber nie belanglos. Billie Eilish und ihr Bruder Finneas schaffen auf Hit Me Hard and Soft eine dichte, dunkle Atmosphäre, die zugleich zugänglich und ambivalent bleibt. Die Songs bewegen sich zwischen Trip-Hop-artiger Langsamkeit, orchestralen Ausbrüchen und intimen Balladen. Inhaltlich geht es um Selbstzweifel, queere Identität, Körperlichkeit und die Ambivalenz von Nähe. Dabei wirkt Billie Eilish gereifter, offener, reflektierter – ohne ihre ästhetische Handschrift aufzugeben. Ein Werk, das Pop nicht als Pose, sondern als emotionale Tiefenmessung versteht.

98. The White Stripes – Elephant (2003)

Reduktion als Prinzip: Gitarre, Schlagzeug und Jack Whites Hang zur dramatischen Überhöhung ergeben ein kompromissloses Rockalbum. „Seven Nation Army“ wurde zum Welthit, aber „Elephant“ bietet weit mehr – Blues, Punk, Garage und eine fast mythologische Selbstinszenierung.

99. Beyoncé – Lemonade (2016)

Mit diesem visuell begleiteten Album überwand Beyoncé endgültig den Pop-Kosmos und wurde zur politischen Stimme. „Lemonade“ ist persönliches Bekenntnis, feministische Ansage und Hommage an afroamerikanische Musik zugleich – vom Spiritual bis zum Trap. Kein anderes Mainstream-Album der letzten Jahre war so vielschichtig codiert.

100. Blur – Parklife (1994)

Das wohl britischste aller Britpop-Alben. Damon Albarn schildert den Alltag zwischen Pub, Suburbia und Popkultur mit bissigem Witz und melodischer Vielseitigkeit. „Parklife“ wurde zum Synonym einer ganzen Ära und zum Gegenmodell zum amerikanischen Grunge.